Durero Alberto
Autorretrato de Durero (Louvre)
Esta obra de dulero fue realizada sobre el papel más
conocido como papel pergamino después fue pegado sobre un tramo de lienzo de:
57 x 45 cm.
Aquí el aparece de adolescente, imberbe
con una ramita de cardo en las manos esto significaba en sus tiempos el
sufrimiento de Cristo; también esta rama representaba fidelidad conyugal y se
les ofrecía a las jóvenes esposas.
Esta obra se realizo cuando tenía 22 años
y aun era soltero este se casó un año más tarde a la cual a su futura novia se
lo regalo este cuadro: adopta una postura de tres cuartos y una mirada
fijamente al espectador con cabello rubio y largo que no impide que se le vea
al frente la mandíbula y el lóbulo de la oreja tiene un brillo de color rojo y
se figura que por su atiento era de una pobreza relativa.
Es una de sus primeras obras en
la que combina la expresión retenida del gótico
alemán, con la precisión de un Van Eyck.
Pero a este estilo nórdico le insufla un espíritu italiano al
ponerse como ejemplo de hombre independiente, dueño de sus pensamientos,
ejemplo de espíritu humanista.
En la parte superior, sobre su cabeza, aparece
la fecha y una inscripción que dice: My sach die gat Als es oben schtat que quiere decir: Mi
destino progresará según el orden Supremo también puede entenderse como Todo me
va como está ordenado desde allá arriba o Las cosas me van como allá arriba
está ordenado.
Adoración de los Magos
Esta obra es pintada en óleo sobre tabla pintado en 1504 . Mide 100 cm de alto y 114 cm de ancho. Está firmado y fechado.
Se trata de una obra de madurez era el panel central de un retablo por lo que se nota influencia de la pintura renacentista italiana en particular en el vivo cromatismo y la luz muy veneciana que ilumina el cuadro también llamada como figura de la Virgen.
Destaca en esta obra el tratamiento de la perspectiva la dirección del punto de fuga es diagonal con gran precisión estudia estaperspectiva y las proporciones de este cuadro.
Representa la escena de la adoración de los reyes que ocupa el centro de la escana haciéndose un poco hacia la izquierda las cuales son cuatro figuras monumentales cuyas expresiones resultan bastante simples.
En el cuadro la Virgen María se encuentra en el lado izquierda que sostiene al níño sobre sus rodillas; enfrente a él se encuentra Melchor arrodillado siempre representado como el más viejo de los tres; detrás de él es reconocible la figura de Baltasar representado como un joven negro y en el centro quedaría el tercer rey mago Gaspar mirando hacia Baltasar y que tiene el rostro del propio Durero.
Esta pintura es un paisaje que recuerda un poco a la pintura flamenca junto a los elementos de la naturaleza en las que aparecen estructuras o edificaciones en ruinas dispuestas a lo largo de la diagonal que lleva la mirada a las siluetas de castillos en el fondo. Este pinta con un gran detallismo: insectos en el primer plano, pedrerías en el vestido del mago Melchor. Los colores son intensos lo que es un rasgo típico de Durero.
Filippo Brunelleschi
La Basílica de Santa María del
Fiore
Esta Basílica en italiano quiere decir duomo o "Casa de Dios" que la realizaron
gracias a los archidiócesis católica romana de Florenciapor lo que se la conoce por su cúpula.
Esta es una de las obras maestras del arte gótico y del primer Renacimiento italiano en esta obra fue
símbolo de la riqueza y del poder de la
capital toscana durante los siglos XIII y siglo XIV.
La catedral florentina es uno de los edificios más grandes de la
cristiandad su nombre que se traduce
como “Santa María de la Flor” se refiere al lirio que es el símbolo de
Florencia, o al antiguo nombre del pueblo llamado Fiorenza y un documento
del siglo XV afirma que la “flor” se refiere a Cristo.
La
grandiosa cúpula de Brunelleschi es una estructura isostática de 100
metros de altura interior, 114,5 metros de altura exterior, 45,5 metros de
diámetro exterior y 41 metros de luz (diámetro interior) con la particularidad de
que esta cúpula anula los empujes horizontales para no transmitir al tambor que
la sustenta prácticamente más cargas que las verticales correspondientes a su
propio peso. A la cúpula hay que añadir el campanario independiente del Giotto de 82 m de altura y el baptisterio de San Juan. Como fue construido en Florencia después de la Basílica de Santa Cruz y Santa
María Novella con las
famosas puertas de bronce de Ghiberti. El conjunto formado por la iglesia,
el campanario y el Baptisterio de San Juan en el centro de la ciudad constituye una de las
joyas artísticas y arquitectónicas de Florencia.
Hospital de los Inocentes
El
hospital de los inocentes antes fue un orfanato de niños de Florencia
diseñado por Filippo Brunelleschi quien recibió el encargo en 1419 para que realizara esta obra. Este
hospital esta considerado como un notable ejemplo de la arquitectura del primer
renacimiento italiano. El hospital con una galería frente a la Plaza della
Santissima Annunziata en cual fue
construido y dirigido por el "Arte della Seta" o Gremio de la Seda de
Florencia.
Este gripo de personas era uno de los más
ricos de la ciudad y como la mayor parte de las cofradías asumía obligaciones
filantrópicas lo cual era su obligación de cada uno de ellos.
En
el extremo izquierdo del pórtico está la ruota
o un torno de piedra para meter al niño en el edificio sin que se viera al
padre lo por lo que se asi se realizaba eficiente su trabajo esto permitía a la
gente abandonar a sus hijos anónimamente para que fueran cuidados en el
orfanato. Este sistema siguió funcionando hasta el cierre del hospital en 1875 hoy en dia el edificio aloja un
pequeño museo de arte renacentista.
Capilla Pazzi
En
esta Capilla se accede desde el
claustro de la basílica de la Santa Croce (Florencia) ya
que se encuentra ubicada en el jardín ya que esta fue encargada por la familia Pazzi en 1441 a Filippo Brunelleschi por lo que esta fue su última obra.
Este
es un edificio de pequeñas dimensiones y con un pórtico cubierto por una bóveda de
planta circular que mediante el uso de pechinas crea una bóveda de paraguas que
se construyó como recinto funerario de los Pazzi; este señor emplea la medida
de la proporción áurea en el diseño de su planta y fachada.
Este
tiene una planta rectangular con cúpula central y un pórtico ya que su fachada
es un pórtico de cinco tramos entre seis columnas de orden compuesto;
tiene cuatro extremos adintelados y en la parte central de forma de arco de triunfo semicircular muy alto y de
doble anchura que se cubre por una bóveda de cañón. Sobre este pórtico se alza
un ático decorado con pilastras corintias y
seccionado por el gran arco del centro la cual se corona en una cornisa muy ornamentada
este adintelado griego con un arco central de origen romano serviría para
suavizar la luz. En la parte de arriba sobresale la cúpula con su linterna y en
el pórtico en el que combina la disposición adintelada con el arco central
supone una innovación que ha de ser modelo o fuente de inspiración para
numerosos arquitectos.
Este
es una capilla donde se coloca el altar ornamentado con pilastras
adosadas con acanaladuras y bóvedas de
cañón con casetones.
Tintoretto
El Lavatorio
Este cuadro del pintor italiano Tintoretto es considerado una de sus obras más importantes,
está pintura fue realizada con la técnica de óleo
sobre lienzo.
Mide 210 cm de alto y 533 cm de ancho fue pintado en 1548-1549 encontrándose
actualmente expuesto en el Museo del
Prado de Madrid
España.Este cuadro narra una escena por el evangelio de Juan, en la que se narra cómo durante la última cena donde Jesús se levantó de la mesa quitándose el manto y atándose una toalla a la cintura después de echar agua en un recipiente se puso a lavar los pies a sus discípulos pretendió negarse, accedió a que le lavase los pies e incluso las manos y la cabeza.
La mayor parte del lienzo está ocupado por la estancia donde se desarrolla la última cena con la mesa y los discípulos en torno a ella ya que en el centro destaca un perro y detrás los apóstoles descalzándose o en diversas posturas y escorzos. En un segundo plano se estaría relatando un milagro de San Marcos narrado por Jacobo de la Vorágine en su leyenda dorada y en el extremo de la izquierda está dominado por otro apóstol que se está desatando el calzado.
En el fondo del cuadro en el lado izquierdo se ven las arquitecturas clásicas de una ciudad que recuerda a Venecia con una barquichuela entre canales en azules y blancos bañados por una luz fría por lo que da un aire un tanto irreal los elementos arquitectónicos están inspirados en ilustraciones de Sebastiano Serlio.
La Última Cena
Esta es la última gran obra del
pintor italiano Tintoretto con la que culmina su trayectoria como pintor esta
realizada en óleo sobre lienzo mide 365 cm de alto y 568 cm de ancho fue
pintado en los años 1592-1594 encontrándose en la Basílica de Sa Giorgio
Maggiore de Venecia, Italia.Este es un tema que el artista había trabajado en otras ocasiones y es clásico en la pintura religiosa católica estos fueron realizados para la iglesia y monasterio de San Giorgio Maggiore, en una pequeña isla de Venecia en las cuales se encuentra en un muro del presbiterio.
Cualquier persona que quisiera comparar esta obra con La Última Cena de Leonardo demuestra de qué forma evolucionó el arte desde el Renacimiento los discípulos se sitúan alrededor de Jesús con una simetría casi matemática en las manos de Tintoretto la misma escena aparece dramáticamente distorsionada esta fue utilizando una muy original perspectiva oblicua. Las figuras humanas parecen abrumadas por la aparición de seres fantásticos y la escena tiene lugar en una taberna sombría y popular en donde las aureolas de los santos aportan una luz extraña que subraya detalles incongruente esta es una obra oscura en la que destaca precisamente el tratamiento que hace de la luz los rostros de los santos se distinguen gracias a la luz de sus propias aureolas donde hay dos puntos de luz intensa: uno en alto uno a la izquierda y otra la intensa aureola de Jesucristo la obra es de tono es resueltamente barroco.
Este trata de los amores entre los dioses de la mitología griega Venus y Marte habían sido objeto de tratamiento ya por autores renacentistas como Botticelli en su Venus y Marte por lo que allí era el idealismo neoplatónico que se convierte en manos de Tintoretto en una escena doméstica de carácter erótico. En donde Venus está reclinada y su marido el viejo Vulcano el se acerca y descubre el pubis de su esposa en una cuna detrás cupido duerme y en el lugar de bajo la cama se oculta el amante de Venus y Marte.
En esta clase de cuadro contiene una gran asimetría por lo que el pintor lleva la mirada hacia el fondo, a la derecha a través de la perspectiva de las baldosas y la figura de Vulcano se refleja en el espejo del fondo, su vigoroso moldeado demuestra la influencia de Miguel Ángel. Venus extendida en una marcada diagonal desde la parte superior izquierda hacia la zona central del borde inferior por lo que parece un poco masculina este se apunta a que Tintoretto pudo tomar como modelo la Andrómeda de Tiziano.
Un estudio previo a este cuadro se guarda en el gabinete de calcografías de Berlín si bien faltan las figuras de Marte y del amorcillo.
Andrea Mantegna
La Virgen y el Niño con
santa María Magdalena y san Juan Bautista
Este es cuadros destacados del pintor italiano Andrea Mantegna que se conservan en la National Gallery de Londres en Reino Unido este está realizado en témpera sobre tela en donde mide 139 cm de alto y 116 cm de ancho este cuadro fue pintado entre 1490 y 1505 ya que no se sabe para qué iglesia se realizó este retablo que está documentada su presencia por vez primera en Milán en donde fue adquirido por la National Gallery en 1855.
Este cuadro representa a la Virgen María con el Niño Jesús en el centro de la composición esta sentada en un trono de intenso color rojo a la izquierda está san Juan Bautista esta vestido como un ermitaño sosteniendo su báculo en forma de cruz en torno al cual hay una filacteria enrollada por un lado se leen fragmentos: (ec)/ce agnv(s dei) (ec)ce q(ui tollit pec)cata m(un)di;que es una frase bastante conocida: Contemplad al Cordero de Dios que quita el pecado del mundo y por detrás aparece Andreas Mantinia C.P.F., que es la firma del autor (Andrea Mantenga) y la última letra, F., se refiere a fecit (hizo esto). Cabe la duda de qué significaban las otras dos letras, C.P.; se ha apuntado que puede significar “Comes Palatinum” este es un título de caballero que Andrea Mantenga había recibido en 1469 o que bien puede querer decir Ciudadano de Padua.
A la derecha está María Magdalena representada con una larga melena suelta y por lo cual es el símbolo de su vida anterior pecaminosa que sostiene en su mano un frasco de ungüentos.
Tránsito de la Virgen
En esta aparecen los apóstoles que están formando un grupo majestuoso de severos ropajes todos están alrededor de la cama en la que yace la Virgen María, los símbolos que llevan en las manos (cirios, palmas, libro de difuntos, incensario) les sirven para rendir homenaje a la Virgen. No hay doce apóstoles sino once se dice que según las creencias cristianas después del suicidio de Judas Iscariote los once apóstoles restantes se reunieron y eligieron a Matías para completar nuevamente el número de doce apóstoles enviados a las doce tribus de Israel también es posible que el apóstol que falta sería Tomás que se encontraría evangelizando tierras lejanas al tiempo del tránsito de la Virgen en esta escena está representada conforme a los Evangelios Apócrifos donde las figuras se enmarcan en una arquitectura típicamente renacentista.
Al fondo de la tabla se ve un paisaje con un lago representando los lagos que había en la zona de Mantua, sobre ellos se tiende un puente llamado de San Giorgio donde de esta manera la escena parece transcurrir en el Palacio Ducal de Mantua y no en Jerusalén.
Aquí se emplea un estilo es veneciano que está pintado en colores fríos como es habitual en Mantegna sobre todo en la representación del paisaje y a la obra de Giovanni Bellini.
El San Sebastián de Viena
Este cuadro fue realizado después de que Mantegna se recuperase de la peste en Padua (1456–1457) donde probablemente fue encargo del podestá de la ciudad para celebrar el fin de la peste esta fue acabada antes de que el artista dejara la ciudad para ir a Mantua.El tema de este cuadro se refiere al Libro de la Revelación un jinete está presente en las nubes en la parte superior izquierda como en esta se especifica en la obra de san Juan la nube es blanca y el jinete tiene una guadaña que él estaba usando para cortar la nube. El jinete ha sido interpretado como Saturno el dios grecorroman: en los tiempos antiguos, Saturno fue identificado con el Tiempo que pasaba y dejaba todo destrozado.
En
lugar de la figura clásica de Sebastián atado a un poste en el Campo Marzio de
Roma el pintor retrató al santo contra un arco que sea un arco de triunfo o bien la puerta de una
ciudad. En 1457 el pintor fue llevado a juicio por por haber puesto sólo ocho apóstoles en su
fresco de la Asunción él aplicó los principios del clasicismo de
Alberti en los cuadros siguientes incluyendo este pequeño San Sebastián, aunque deformada por
la perspectiva nostálgica propia de él.
Es característico de Mantegna la claridad de la superficie en la cual la
precisión de la reproducción «arqueológica» de los detalles arquitectónicos y
la elegancia de la postura del mártir.El San Sebastián de Viena
Este cuadro fue realizado después de que Mantegna se recuperase de la peste
en Padua (1456–1457) donde probablemente fue encargo del podestá de la ciudad para
celebrar el fin de la peste esta fue acabada antes de que el artista dejara la
ciudad para ir a Mantua.El tema de este cuadro se refiere al Libro de la Revelación un jinete está presente en las nubes en la parte superior izquierda como en esta se especifica en la obra de san Juan la nube es blanca y el jinete tiene una guadaña que él estaba usando para cortar la nube. El jinete ha sido interpretado como Saturno el dios grecorroman: en los tiempos antiguos, Saturno fue identificado con el Tiempo que pasaba y dejaba todo destrozado.
En
lugar de la figura clásica de Sebastián atado a un poste en el Campo Marzio de
Roma el pintor retrató al santo contra un arco que sea un arco de triunfo o bien la puerta de una
ciudad. En 1457 el pintor fue llevado a juicio por por haber puesto sólo ocho apóstoles en su
fresco de la Asunción él aplicó los principios del clasicismo de
Alberti en los cuadros siguientes incluyendo este pequeño San Sebastián, aunque deformada por
la perspectiva nostálgica propia de él.
Es característico de Mantegna la claridad de la superficie en la cual la
precisión de la reproducción «arqueológica» de los detalles arquitectónicos y
la elegancia de la postura del mártir.
Giovanni Bellini
Alegoría cristiana
Es conocida como La alegoría sagrada que es una de las
obras del periodo de madurez del pintor renacentista italiano Giovanni Bellini que
se conserva en la Galería de los Uffizi en Florencia está realizado al temple
sobre tabla fue pintado mas o menos en 1490 esta obra mide 73 cm de alto y 119
cm de ancho.Esta obra tiene un colorido paisaje al fondo que se muestran diversas figuras de santos cuyo nexo de unión o sentido general de la obra no está muy claro que está considerada de difícil interpretación en la cual la terraza tiene elaboradas baldosas de mármol la profundidad del paisaje se logra no tanto por la perspectiva sino por el cromatismo.
Aquí tenemos a la derecha de todo con una flecha clavada y junto a él un san Jerónimo o quizá una representación del santo Job estas dos figuras no presentan el mismo modelado que el resto en el otro lado de la balaustrada a san Pablo que se encuentra con un gran manto rojo y una espada en la mano. En la parte de la izquierda María en un trono en el extremo de este lado existe una figura con turbante que parece un añadido posterior.
Sacra Conversación
También conocida como Retablo de San Giobbe, esta es una de las obras
más conocidas del pintor renacentista italiano Giovanni Bellini esta se
conserva en la Galería de la Academia de Venecia en Italia que está realizado
al temple sobre tabla donde fue pintado hacia 1487-1488.Es una obra de gran tamaño: mide 468 cm de alto y 255 cm de ancho todas sus figuras tienen un tamaño casi natural donde se realizó para la iglesia parroquial de San Giobbe donde estaba enmarcada en mármol esta se trata de una composición triangular con gran luminosidad y colorido.
Esta tiene como tema la "sagrada conversación" donde se trata sobre una reunión de santos en torno a la Virgen en majestad con el Niño en los brazos y rodeada de santos. A la derecha se distingue un san Sebastián y a los pies de María, delante del trono hay unos ángeles músicos.
El marco arquitectónico en el que se desarrolla es una bóveda de cañón con artesonado Al fondo hay un ábside circular.
Aquí la luz que baña el cuadro arranca reflejos dorados de los mosaicos dejando otras zonas en penumbra aunque aqui se nota la influencia de Antonello da Messina pero lo cierto es que esta típica luz de Bellini envuelve los volúmenes y humaniza la escena representada.
El dux Leonardo Loredan
Este retrato género que en Venecia se desarrolló más tarde que en la pintura toscana o flamenca, esta obra "es el momento culminante de la evolución del retrato veneciano en el umbral del Alto Renacimiento". El retratado es el Dux de Venecia Leonardo Loredan (1436-1521), que desempeñó el cargo de 1501 al 1521 año de su muerte.
Esta se trata de un retrato oficial por lo que usa el traje de ceremonia propio del cargo: el sombrero y los botones ornamentados este pintor retrata con detalle la tela que son de seda tejida con hilo de oro, es un busto al modo de las estatuas romanas.
Hay un gran equilibrio entre el detalle de joyas y tela y la representación fisonómica la cara es realista y expresiva de una gran serenidad está un poco girada y el efecto que consigue mediante las cintas que cuelgan de su tocado.
Esa expresión de una observación distanciada junto a la ausencia de un fondo concreto en el que ambientarse hace que el cuadro recuerda a un icono.
Matthias Grünewald
Escarnio de Cristo
Es una de sus primeras obras realizada hacia el año 1503 es la más antigua cuya autoría no es controvertida.
Aquí podemos observar que Jesús de Nazaret se sienta con los ojos vendados y tiene los brazos y las manos atados con una cuerdo este se define indefenso los golpes de los siervos: un verdugo, delante tira de la cuerda; detrás se alza el puño para pegarle al mismo tiempo que le tira del pelo, por la derecha se añade a la escena un hombre que lleva un bastón en su mano izquierda y con la derecha hace ademán de abofetear a Cristo. En el hombro de este verdugo apoya su mano otro hombre que es el más viejo que parece estar hablándole. En el fondo de la imagen hay otros tres hombres: a la izquierda se ve a un músico tocar la flauta al tiempo que golpea el tambor. El más joven de los otros dos hombres parece indiferente, casi alegre. El tercero, del que sólo se ve con claridad la cabeza en el borde derecho del cuadro en la que aparece con el rostro desconsolado.
Este cuadro domina la fuerza de las emociones esta escena tiene un dramatismo hasta entonces inédito ya que los rostros de los verdugos sólo expresan brutalidad de modo casi caricaturesco con lo que se recuerda a obras del Bosco como Cristo con la cruz a cuestas y a los estudios fisonómicos de Leonardo (Cabezas grotescas).
Retablo de Isenheim
Está esta considerada como una de las mejores obras de dos grandes maestros de la época: el pintor alemán Grünewald por los paneles pintados (1512-1516) y Nicolas de Haguenau para la parte esculpida (1500).
Este es un retablo políptico cuyas distintas configuraciones podían ilustrar los distintos períodos litúrgicos durante el culto de acuerdo a las fiestas correspondientes estas tiene dos conjuntos de alas, mostrando tres configuraciones distintas que se articulan en torno a un altar tallado compuesto de esculturas este conjunto estaría debajo de un montante gótico esculpido y dorado.
Las escenas que contiene son de una intensidad dramática poco común podría decirse excepcional para su época porque no está excluida de esta obra la fantasía en lo que la acerca al Bosco ni cierto manierismo que hace de este artista un genio aislado e inclasificable.
San Erasmo y San Mauricio
Este gran cuadro mide 226 cm
de alto, y 176 cm. de ancho es de la primera mitad de los años 1520 se
encuentra en la Alte Pinakothek de Múnich.Esta tabla la encargó el arzobispo Alberto de Brandemburgo para la iglesia de Halle dedicada a los santos Mauricio y Magdalena que se trata de una tabla de gran tamaño: más de dos metros de alto y metro y medio de ancho.
En el primer plano de este cuadro están representados dos santos: san Erasmo y san Mauricio por lo que aparece representado, en la parte izquierda del cuadro con la mitra obispal. Grünewald le dio los rasgos de Alberto II de Brandemburgo margrave de Brandemburgo (1490-1545). Aquí viste con una casulla muy detallada que junto a la armadura del otro santo, Mauricio el Tebano que es uno de los mejores logros de la pintura alemana de la época,San Erasmo tiene en la mano un árgano o cabrestante utilizado como instrumento de tortura para enrollar las vísceras de los enemigos ya que según una leyenda tardía su estómago fue partido en dos y sus intestinos fueron enrollados alrededor de un cabrestante por lo que se interpreta el árgano o cabrestante que suele llevar el santo en la mano como el instrumento de su tortura.
En el otro santo lo representan como un guerrero con armadura y piel oscura que era el comandante tebano que se negó a participar en ritos pagano cuya armadura de Mauricio está representada con gran detalle que es plateada y lleva piedras preciosas en las orlas por lo que contribuye a darle un aspecto suntuoso y en ambas figuras parecen estatuas policromadas del menor tamaño de las figuras en segundo plano consiguen dan sensación de profundidad y ampliar así el espacio.
MASACCIO
El tríptico
de San Juvenal era una
obra desconocida de Masaccio, no mencionada por su biógrafo, que fue
descubierta en 1961. La pintura se compone de tres tablas: la central
representa a la Virgen con el Niño, flanqueados por dos ángeles; en los paneles
laterales aparecen parejas de santos: San Bartolomé y San Blas en el de la izquierda, y San Juvenal y San Antonio Abad en el de la derecha. La composición está construida
de acuerdo con las leyes de la perspectiva: las líneas de fuga del pavimento de los tres paneles
convergen en un punto de fuga central, representado por la mano derecha de la
Virgen, que sostiene los pies del Niño.
CAPILLA
BRANCACCI
En 1424, Masaccio y Masolino comenzaron la decoración
de la Capilla Brancacci, en el transepto de la iglesia de Santa María del
Carmine.
Los dos pintores trabajaron de forma perfectamente
coordinada: ambos trabajaron en las dos paredes de la capilla, y dieron una
gran unidad a la composición, gracias al empleo de una misma gama cromática, y
de un único punto de vista (el de un espectador situado en el centro de la
capilla). Los frescos se distribuyen en dos niveles horizontales a lo largo de
las dos paredes de la capilla (originalmente había también pinturas en los
lunetos y en la bóveda, todas ellas obra de Masolino).
Se sigue el esquema característico de la pintura
florentina al fresco, consistente en ordenar las composiciones como si fuesen
cuadros colocados en el muro, y, para destacar esta idea, cada escena está
enmarcada por pilares clásicos y capiteles corintios pintados.
El tema principal de los frescos es la historia de la
vida de san Pedro, patrón de los marineros y comerciantes del mar, y hay
también algunas referencias al Génesis, concretamente a la historia de Adán y
Eva. El programa iconográfico se ha interpretado en relación con la
personalidad del comitente: Felice Brancacci había sido uno de los primeros
cónsules del mar de Florencia en 1421, y entre 1422 y 1423 fue embajador en El
Cairo.
LA
TRINIDAD
Entre 1426 y 1428 Masaccio
realizó el fresco de la Trinidad en uno de los muros laterales de la iglesia
florentina de Santa Maria Novella. En este mural se hace uso por primera vez de
la teoría de la perspectiva. La pintura representa el dogma de la Trinidad, en
en el marco de una capilla inspirada en los arcos de triunfo romanos, con una
bóveda de medio cañón dividida en casetones y sostenida por columnas jónicas,
flanqueadas a su vez por pilastras que sostienen un entablamento. En el centro
se encuentra Cristo crucificado, sostenido por Dios Padre —única figura que
escapa a las leyes de la perspectiva, en tanto que ser incomensurable—; bajo la
cruz se encuentran la Virgen María y San Juan Evangelista. Más abajo están los
dos comitentes, identificados recientemente como Berto di Bartolomeo del
Banderaio y su esposa Sandra, quienes asisten arrodillados a la escena sacra.
Por debajo de ellos, y funcionando como base de la composición, hay un altar de
mármol bajo el cual se ve un esqueleto yacente al que acompaña la inscripción:
«Ya fui antes lo que vosotros sois; y lo que soy ahora lo seréis vosotros
mañana»
La pintura puede leerse en
sentido vertical ascendente, como la ascensión hacia la salvación eterna, desde
el esqueleto (símbolo de la muerte) hasta la Vida eterna (Dios Padre), pasando
por la oración (los donantes), la intercesión de los santos (San Juan y la
Virgen), y la redención (Cristo crucificado). El uso que hace Masaccio de la
perspectiva hace que la composición sea un auténtico trompe l'oeil o
trampantojo que hace parecer que el muro está efectivamente perforado.
DONATELLO
PEQUEÑO PROFETA
El Pequeño profeta es una obra atribuida a Donatello, y que
data de 1407. Es de mármol blanco y mide 128 cm de altura.
En la puerta de la Mandorla de Santa María del Fiore, está emparejado
con otro pequeño profeta atribuido principalmente a Nanni di Banco. No está
claro si estas dos obras son los citados en los documentos de pago de la
catedral a nombre de Donatello, con fecha de 1406 y 1408, en recompensa del
trabajo en dos estatuas de profetas. Al margen de las diferencias estilísticas
entre las dos figuras que pueden ser debidas a la inexperiencia por la juventud
del artista y por otro lado su semejanza con obras similares de Nanni di Banco.
Hoy en día, el profeta de la izquierda se atribuye generalmente a Donatello,
sobre la base de comparaciones con otras obras de esta misma época como del
David de mármol del Bargello. No tiene los atributos de un profeta, pero su
pose recuerda a uno de los ángeles anunciando.
DAVID
El David de mármol de Donatello
es una escultura de la etapa de juventud de este gran artista. Data de
1408-1409, es de mármol blanco y mide 191 de altura, con una base de 57,5 x32
cm. Se conserva en el Museo Nazionale del Bargello en Florencia.
El trabajo es uno de los primeros
atribuibles con certeza a Donatello, que en ese momento, tenía poco más de
treinta años, a menudo trabajó para la Opera del Duomo de Florencia. El encargo
era para la galería del coro, una estructura octogonal, en torno al altar central,
que ahora ya no existe, fue desmantelado en el siglo XIX.
David esta representado en el
momento de la victoria e inmediatamente después de la derrota del gigante
Goliat, cuya cabeza se encuentra a sus pies, con la piedra todavía en medio de
la frente.
Los brazos son
desproporcionadamente largos, pero ya se han incorporado elementos del
repertorio clásico, como algún detalle anatómico realista: las manos, el torso,
su cabeza coronada de amaranto (símbolo profano). La expresión del rostro es un
poco inexpresiva, pero la pose y la actitud parece expresar el orgullo de su
conciencia divina. El desplazamiento del peso sobre la pierna derecha con el
torso torcido hacia el lado opuesto, indica la intención para crear un mayor
dinamismo con el clásico contrapposto.
SAN JUAN EVANGUELISTA
San Juan Evangelista es una escultura de mármol de Donatello
(210x88x54 cm) esculpida paran la antigua fachada del Duomo de Florencia y en
la actualidad se conserva en el Museo dell'Opera del Duomo. Data de 1409-1411 y
fue el modelo más directo para el Moisés de Miguel Ángel.
La catedral encargó la estatua
del Evangelista sedente a Donatello. La serie adornaba cuatro hornacinas
dispuestas en los lados del portal central de la destruida fachada. A Donatello
se le ofreció una capilla en la catedral para esculpir su evangelista. En julio
de 1410, cerró la capilla sin haber terminado el trabajo, para cumplir con los
numerosos encargos que tenía Donatello, hasta el abril de 1415 que recibió en
su casa una notificación donde se le ordenaba completar el trabajo dentro del
mismo año, bajo una carga de 25 florines si no cumplía. El artista se dedicó a
completar el trabajo, completándolo en octubre de ese año, por lo que recibió
un pago de 160 florines.
Donatello, en esta escultura
demostró un manierismo gótico tardío, y no sólo con las referencias a la
composición de estatuas antiguas, también en la búsqueda de la expresión de una
verdadera humanidad y verdad.
Las vestiduras crean fuertes
efectos de claroscuro, con grandes pliegues, especialmente en la parte
inferior, que aumentan el sentido de los volúmenes de las extremidades. Los hombros
son curvos con los brazos inertes y abandonados, se simplifica el busto
geométricamente por medio de una línea semicircular. Fuerte énfasis le dio a
las poderosas manos, talladas con la base de un estudio cuidadoso del natural.
La cabeza, con barba y con un
espeso pelo rizado, girada hacia la derecha tiene una mirada fija e intensa,
creando una sensación de energía, que mantiene en sus mejores obras Donatello,
como la del San Marcos y San Jorge, talladas en esos años. Las cejas son
gruesas y ligeramente juntas en expresión concentrada, gran relieve tienen
también, las profundas arrugas horizontales en la frente y la boca apretada,
tal vez inspirado en una cabeza del Júpiter Capitolino.
TIZIANO
AMOR SACRO Y AMOR PROFANO
Amor sacro y amor profano (Amor sacro e amor profano, en
italiano) también llamado Venus y la doncella, es un lienzo al óleo de Tiziano,
pintado alrededor de 1515.
La tela recoge una escena con
tres figuras: dos mujeres y un niño alrededor de una fuente de piedra ricamente
decorada, situados en un paisaje iluminado por una puesta de sol. Las mujeres,
de belleza renacentista, son de similares características, habiéndose pensado
en ocasiones que se trata de la misma persona.
Representa una escena con una
doncella vestida lujosamente (probablemente de novia) sentada junto a Cupido y
siendo asistida por la diosa Venus. Varios detalles sugieren que la mujer es
posiblemente una novia: su pelo suelto decorado con una corona de mirto (planta
sagrada de Venus), el velo transparente sobre sus hombros, las rosas en su mano
derecha, y el cinturón (símbolo de la castidad).2 La figura vestida sujeta en
sus manos una vasija llena de oro y gemas, que simboliza la efímera felicidad
de la Tierra y la diosa, desnuda, sostiene una lamparilla con la llama ardiendo
de Dios que simboliza la felicidad eterna del Cielo. Es una escena alegórica
influida por la concepción neoplatónica renacentista, típica de Marsilio
Ficino, según la cual la belleza terrenal es un reflejo de la belleza celestial
y su contemplación es un preludio de su consecución ultraterrena.
En 1895, el crítico Wickloff
indicó que Amor sacro y amor profano está inspirado en la Argonáutica de
Valerio Flaco y plasma la escena en la que Venus persuade a Medea. Gerseffeld,
por su parte, opinó que podría tratarse de un retrato de Violante, la hija de
Palma el Viejo y amante de Tiziano, caracterizada como la diosa romana.
ISABEL DE PORTUGAL
La retratada es Isabel de
Portugal, esposa de Carlos I de España e hija del rey Manuel I de Portugal. El retrato
sigue un esquema clásico ya utilizado por Rafael o Leonardo da Vinci, en el que
la modelo se sitúa sentada, abriéndose junto a ella un ventanal en el que se
adivina un paisaje. El paisaje dota de profundidad a la composición, además de
servir como contraste cromático con la figura de la emperatriz, pues predominan
en él tonos verdosos y azulados, mientras que la escena interior está dominada
por tonos cálidos. La figura de Isabel muestra cierta rigidez, relacionada
quizá con el concepto de majestad tan utilizado en la iconografía imperial.
La figura viste un riquísimo
vestido rojo y dorado, con adornos de brocado y pedrería. Se adorna, además,
con llamativas joyas, como un collar de perlas con un broche al pecho con
piedras preciosas del que cuelga otra perla en forma de lágrima, una sortija en
la mano derecha, o un joyel rematando su tocado, un rígido peinado muy de moda
en la época compuesto por trenzas. La emperatriz sostiene un libro abierto en
su mano izquierda, quizá un misal o libro de oraciones, y mira a un punto
lejano con expresión ensimismada.
PALA PESARO
Pala Pesaro es un cuadro del pintor renacentista italiano
Tiziano. Fue realizada entre 1519 y 1526. Se trata de un óleo sobre madera de
gran tamaño, pues alcanza los 4,78 metros de alto y 2,68 m. de ancho. Se
encuentra en la Basílica de Santa María Gloriosa dei Frari, de Venecia, Italia.
En el cuadro se ve a Jacopo Pesaro (en la esquina inferior
derecha), quién encargó el cuadro, y a algunos miembros de su familia siendo
presentados a la Virgen, que se encuentra sentada en un trono con el niño
Jesús. La Virgen queda a la derecha, sobre la diagonal. En el centro se
encuentra san Pedro, viéndose igualmente a los santos Francisco y Antonio. Los
santos están representados sin ninguna jerarquía, de manera muy natural.
También hay otros personajes menos importantes.
La escena se presenta en un gran edificio, lo que impide ver
el paisaje de fondo claramente. Dos grandes columnas le dan estructura vertical
a la obra. La disposición de las figuras y de sus miradas hace que no haya
equilibrio ni simetría.
El uso del color en esta obra nos muestra claramente la
teoría del color y de perspectiva; al frente, colores oscuros, mucho detalle y
personajes principales. Al fondo, colores más claros y figuras sin tanto
detalle. El uso de luz y sombra (claroscuro), también da una sensación de
profundidad. Ayuda a esta sensación el uso del sombreado en los adornos de las
columnas, así como la brillantez resaltante de algunas telas y del estandarte.
En la bandera, la insignia de los Pesaro y de la familia Borgia. Se consigue un
gran realismo.
El espacio es complejo, como sugieren las amplias columnas
(entre las cuales, dos ángeles alzan una cruz sobre una nubecilla), y los
diversos planos, las imágenes de los comitentes. La forma en que están pintados
las escaleras y columnas, y el resto del edificio, muestra el uso de la
perspectiva isométrica.
LEONARDO DAVINCI
LA GIOCONDA
El cuadro La Gioconda (La Joconde
en francés), también conocido como La Mona Lisa, es una obra pictórica de
Leonardo Da Vinci. Adquirida por el rey Francisco I de Francia a principios del
siglo XVI, desde entonces es propiedad del Estado Francés, y actualmente se
exhibe en el Museo del Louvre de París.
Es un óleo sobre tabla de álamo
de 77 x 53 cm, pintado entre 1503 y 1519,1 y retocado varias veces por el
autor. Se considera el ejemplo más logrado de sfumato, técnica muy
característica de Leonardo, si bien actualmente su colorido original es menos
perceptible por el oscurecimiento de los barnices.
Además, se han usado herramientas
tecnológicas para la investigación de enigmas que rodean la obra. La fama de
esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en su belleza, sino
también en los misterios que la rodean. Además, el robo que sufrió en 1911, las
reproducciones realizadas, las múltiples obras de arte que se han inspirado en
el cuadro y las parodias existentes contribuyen a convertir a La Gioconda en el
cuadro más famoso del mundo, visitado por millones de personas anualmente.
EL HOMBRE DE VITRUVIO
El Hombre de Vitruvio es un famoso dibujo
acompañado de notas anatómicas de Leonardo da
Vinci realizado alrededor del año 1490 en uno de sus
diarios. Representa una figura masculina desnuda en dos posiciones
sobreimpresas de brazos y piernas e inscrita en un círculo y un cuadrado (Ad quadratum). Se trata de un estudio de las
proporciones del cuerpo humano, realizado a partir de los textos de
arquitectura de Vitruvio,
arquitecto
de la antigua Roma,
del cual el dibujo toma su nombre. También se conoce como el Canon de las proporciones humanas.
El redescubrimiento de las proporciones
matemáticas
del cuerpo humano en el siglo XV por Leonardo y otros autores, está considerado como
uno de los grandes logros del Renacimiento.
El dibujo también es a menudo considerado como un
símbolo
de la simetría
básica del cuerpo humano y, por extensión, del universo
en su conjunto.
Examinando el dibujo puede notarse que la
combinación de las posiciones de los brazos y piernas crea realmente dieciséis
(16) posiciones distintas. La posición con los brazos en cruz y los pies juntos
se ve inscrita en el cuadrado sobreimpreso. Por otra parte, la posición
superior de los brazos y las dos de las piernas se ve inscrita en el círculo
sobreimpreso. Esto ilustra el principio de que en el cambio entre las dos
posiciones, el centro aparente de la figura parece moverse, pero en realidad el
ombligo de la figura, que es el centro de masas verdadero, permanece inmóvil.
LA VIRGEN, EL NIÑO JESÚS Y
SANTA ANA
La composición presenta a María y
Ana (madre de María), con la primera sentada sobre las rodillas de la segunda.2
María se inclina hacia delante para sujetar al Niño Jesús mientras este juega,
de manera bastante brusca, con un cordero, símbolo de su propio sacrificio.2
Los rostros son dulces y amorosos, apreciándose gran parecido entre madre e
hija.2
La escena se desarrolla en un
paisaje atemporal,2 rocoso, como ocurre en La Virgen de las Rocas, que delata
el interés del autor por la geología. Los picos montañosos parecen evaporarse
en una atmósfera azulada que inunda toda la composición.
Las pinceladas son ligeras, en el
típico sfumato leonardesco, mediante una técnica de veladuras sucesivas que
crean un efecto evanescente. La defectuosa conservación ha aplanado el color en
los mantos de la Virgen y de santa Ana, y ha hecho desaparecer una poza que
ocupaba todo el primer plano y en el que se hundían los pies de Santa Ana.
La representación de este grupo
de figuras proviene del culto a Santa Ana, nacido en la Edad Media. Además del
simbolismo de Cristo jugando con el cordero, Fra Pietro Novellara, un
vicegeneral de la orden carmelita vio un significado simbólico más profundo en
esta pintura. Creía que la serena expresión de Santa Ana, que contrasta con la
ansiedad de María hacia el Niño, «quizá representa a la Iglesia, que no desea
evitar la Pasión de Cristo».
VERROCCHIO
BAUTISMO DE CRISTO
El bautismo de Cristo es un
cuadro Andrea del Verrocchio, algunas de cuyas partes se atribuyen a Leonardo
da Vinci. Está realizado al óleo y temple sobre tabla. Mide 177 cm de alto y
171 cm de ancho. Fue pintado hacia 1475-1478, encontrándose actualmente en la
Galería de los Uffizi, Florencia (Italia). Se considera que este es el primer
trabajo importante de Leonardo da Vinci como aprendiz. Hizo la pintura junto
con su maestro Verrocchio. Para esta pintura, Verrocchio contó con la
colaboración de Botticelli y de un Leonardo adolescente.
Se le atribuyen a Leonardo todas
las partes ejecutadas al óleo. Es obra suya indiscutible el ángel que está de
perfil, abajo a la izquierda, arrodillado y recogiendo sus ropas. Se evidencia
la delicadeza de la mano de Leonardo, que ejecutó el rostro del ángel de modo
muy maduro.
También realizó algunos rizos del
otro ángel, el paisaje del fondo y retocó la faz de Cristo. En la concepción
del paisaje del Bautismo de Cristo se hace patente la observación de la
naturaleza por parte de Leonardo. Algunos autores consideran que el pájaro
también es obra suya.
El cuerpo del Bautista parece más
propio del Pollaiolo, mientras que las manos de Dios y la palmera resultan
arcaicas y cualitativamente más vulgares.
CONDOTERIO
Verrocchio se propuso realzar el
dinamismo del representado; la cabeza del caballo se orienta hacia un lado
mientras el jinete ladea la suya hacia el otro, con las piernas tensas,
mostrando en el rostro una expresión de furia, de individualismo. Quizá la
cabeza de Colleoni no posea la psicología que la del Gattamelata sí tiene, pero
aquel supera en vitalidad al representado por Donatello. La figura del caballo
sigue el modelo de los caballos de San Marcos y del de la estatua de Marco
Aurelio.1
Esta escultura se asemeja
bastante a una escultura realizada por Donatello. Sus dos obras más famosas
fueron el David y la estatua ecuestre del condottiero Gattamelata.
Andrea del Verrocchio intentó emular a su maestro
haciendo una reinterpretación de ambas obras. En 1479 fue llamado a Venecia
para realizar el monumento ecuestre de Colleoni. Tras su muerte Alessandro
Leopardo fue el encargado de fundir el caballo y de dar los últimos retoques a
la obra.
DONATO BRAMANTE
Basílica de San Pedro
El desarrollo de esta obra arquitectónica tuvo lugar en el
Quattrocento y el Quinquecento. Pero se logra observar que se abandona la
tendencia quattrocentista y se detenga en la plasticidad de la masa, la
ordenación del espacio y el contraste de volúmenes.
Bramante logro destacar en esta obra la ilusión de
perspectiva que se convierte en una realidad. El diseño de la basílica tiene la
forma de la tradicional planta basilical de lacruz latina con cuerpo
longitudinal de tres naves. En las fachadas podemos observar órdenes gigantes
de columnas y balconadas. Encima de la fachada se encuentra la representación
de los 11 apóstoles a excepción de judas, y en el centro, Cristo.
En las fachadas laterales se incluyeron dos relojes y en uno
de los cuerpos laterales se coloco la campana.
Los muros exteriores de la basílica se componen por
superficies planas separadas por pilastras, se presentan esculturas de santos
de gran tamaño y sobre estas se encuentran las grandes ventanas que iluminan el
interior del templo
La fachada principal se articula atreves de la utilización
de columnas de orden gigante que marcan la entrada, esta precedida por dos
estatuas de San Pedro y San Pablo. En la parte superior se sitúa el ático en la
que se abren ocho ventanas decoradas con pilastras.
Santa María delle Grazie
Bramante contribuyo en esta iglesia con el tiburio (cúpula
de base poligonal con techo en forma de pirámide, siendo parte el estilo gótico
pero con influencias románicas y tiene una altura ligeramente excesiva la cual
a sido parte de muchas criticas. También existe un fresco, realizado por
Bramante, que conduce a la sacristía.
Pana la construcción de esta iglesia, Bramante un trompe l’oeil
que procurara la ilusión óptica de perspectiva, empleo un ritmo geométrico pero
en clave gigante, consiguiendo un espacio unitario y regular. Posee un sentido
de elegancia y monumentalidad, estructura clásica y ordenada y el empleo de la
planta centralizada
San Pietro in Montorio
Este templo fue levantado para conmemorar el lugar donde San
Pedro habría sufrido martirio.
Se considera esta obra como el manifiesto de la arquitectura
del clasicismo renacentista, dada su pureza de líneas y decoración. El templete
fue realizado en granito y mármol con acabados de estuco y revoco.
La edificación es de planta circular, dispone de una
columnata cubierta por una cúpula semiesférica. Por su forma circular se puede
decir que demuestra una clara referencia a la cultura griega.
El muro de la cella tiene un muro exterior decorado con
nichos de remate semicircular que se alternan con vanos adintelados, separados
por pilares.
Esta decoración parte de la disposición de tres puertas y el
altar, situados en los extremos de dos dejes de la planta circular que se
cruzan perpendicularmente. Las columnas son cilíndricas y justo debajo del
altar se encuentra la cripta.
Esta obra fue prácticamente construida para ser admirada y
no para utilizarlo, ya que su construcción es pequeña pero, sin embargo refleja
monumentalidad por sus materiales y su simbología donde la cúpula de la iglesia
triunfante a modo de tres escalones, representa las tres virtudes teologales.
RAFAELO SANZIO
Las estancias de Rafael so cuatro habitaciones situadas en
el vaticano que fueron decoradas con frescos de este artista.
La escuela de Atenas:
Esta situada frente a la disputa del sacramento. Representa
la filosofía, atreves de una escena en la que se narra una sesión entre los
filósofos clásicos. En unos nichos se observan unas figuras gigantescas de los
dioses Apolo y Minerva. En el centro de la composición se encuentra Platón y
Aristóteles, que debaten sobre la búsqueda de la verdad, Platón indica al cielo
mientras que Aristóteles señala la tierra. Se pueden identificar otros
personajes situados en distintas posiciones y puestos sobre dos niveles
separados de una escalinata. Se destaca a un dios de la mitología que se
encuentra en primer plano, un poco a la izquierda. También retrato como
filósofos a sus contemporáneos Leonardo Da Vinci y Bramante. Llama la atención
igualmente la figura de Diógenes que esta tirado en el suelo.
La expulsión de Heliodoro del templo
Esta pintura se encuentra en la parte derecha de la sala y
es el fresco que da nombre a la cámara. Su representación es de una parábola
bíblica y representa un milagro. En esta
pintura narra la historia de la caída de Heliodoro del templo de Jerusalén, donde
unos jóvenes jinetes que visten una armadura de oro, lo golpearon y azotaron.
Así se pretende simbolizar la protección de Dios sobre la Iglesia amenazada en
su patrimonio. En el fresco se puede verse al Sumo sacerdote de Jerusalén solo,
rezando.
El incendio del Borgo
Es el fresco mas conocido de la tercera sala y es el que da
su nombre. Representa al milagro que sucedió después de suscitarse un incendio
en la ciudad y el papa lo sofoco haciendo la señal de la cruz desde una ventana
del Vaticano, ejemplificando el poder divino obtenido atreves del pontífice.
Al fondo se ve la fachada de la antigua basílica de San
Pedro, un edificio de características clásicas que se pone en confrontación con
la arquitectura del siglo XVI y los tres ordenes clásicos.
En el primer plano se ve a dos hombres que se trataría de
Eneas con su padre Anquises. De este modo, se dice, que Rafael compara el
acontecimiento de la huida de Eneas de Troya, dotando, así al dibujo, de
movimientos.
LUCA DELLA ROBIA
Cantoría de la Catedral de Florencia
Obra que se sitúa sobre la puerta de la sacristía norte de
la catedral. Aquí se representa en imágenes de la biblia, aparece escrito en
letras romanas. Las figuras en alto, medio y bajo relieve representan niños y niñas
cantando y bailando junto con amocillos. La parte superior se asemeja a los
diseños de los sarcófagos romanos, se asemejan a los diseños de los sarcófagos
romanos, compartiendo escenas en molduras rectangulares, y el conjunto queda
enmarcado por unas palabras en latín. El cuerpo superior sobresale en ménsulas
con decoración vegetal que a su vez sirven de separación de otras cuatro
molduras situadas en un plano mas profundo.
Las molduras superiores muestran niños y niñas tocando
algunos instrumentos musicales como, la trompeta. Algunos relieves muestran a
niños y niñas cantando y tocando el tambor, se podría decir que supuso una
representación bíblica. Las molduras inferiores también muestran niños bailando
y tocando algunos instrumentos, pero en el relieve lateral izquierdo se muestra
a dos niños cantando y sosteniendo un pergamino.
Tondos de la Capilla Pazzi
Se trata de doce medallones que decoraron la capilla de
pazzi y cada uno de ellos representa a los doce apóstoles. Las pechinas también
fueron decoradas con la representación de los cuatro evangelistas, así como la
cúpula del pórtico.
La cúpula del norte muestra una decoración a base de tondos
florales formando círculos que rodean el sello de la familia Pazzi. Existe un
tondo de Santiago el Mayor con los atributos propios de santo. La escultura es
de mediano relieve y logro la nitidez de las ideas y concepciones religiosas de
ese tiempo. El color blanco de las paredes ayuda a resaltar los tondos.
Puerta de la Sacristía Norte
Esta composición es totalmente renacentista, ya que se
muestra el eje central de la figura del Cristo y el tratamiento que se da a las
figuras, reflejando asi la influencia de los escultures mas avanzados de su
época. En la puerta de bronce, nueve de diez son obras de della Robia, y uno representa
a San Gregorio Magno. En los paneles se representa figuras como la virgen, el
niño, los cuatro evangelistas, los cinco santos. Las figuras son de medio
relieve, realizadas en color blanco y se encuentran sobre un fondo azul, lo
cual hace resaltar la figura y su importanciaHANS BALDUNG GRIEN
Las edades y la muerte
En la imagen se observan las tres edades, a tres mujeres de
diferentes edades, haciendo referencia a la armonía de las tres edades donde se
hace evidente la belleza de la juventud así como el final inevitable de la
fealdad , la vejez y la muerte. La pintura se encuentra en un formato bastante
real, enfrentadas a unas figuras de tamaño natural. En la segunda escena la
muerte, calva, fea, llena de gusanos, agarra a una vieja del brazo para
llevársela al tiempo que la vieja arrastra consigo a una joven y bajo los pies
de las mujeres se encuentra un bebe dormido. Al otro lado una lechuza, todo
ello dentro de un paisaje en tonos ocres y amarillos que podrían representar lo
desiertito o lo infernal. Pero también se representa la esperanza, con la imagen del cristo y una cruz en el sol.
Adán y Eva
En esta imagen se presenta el desnudo femenino y masculino
con una gran [resicion y fuerza plástica. Trata el tema del pecado original,
justo en el momento en el que Eva ha cogido ya el fruto del árbol inducida por
el demonio y que el artista representa atraves de los símbolos como son la serpiente
y la manzana pero también lo representa a través de Ádan quien sujeta con
firmeza a Eva y con una mirada firme.
La pintura es de proporciones alargadas donde la mujer se
representa con suaves formas redondeadas y una tez suave y tersa, mientras que
al hombre se lo representa con una piel mas oscura. Aquí se define un modelado
de luces y sombras para la diferenciación de los cuerpos y los tonos de piel.
Sabbat de las brujas
Esta es una obra considerada macabra, ya que en la obra se
encuentran representados varios adoradores de satán, acompañados de algunos de
sus atributos, las horquillas y palos, las cabras sobre las que vuelan una de
ella, la ofrenda diabólica que sostiene sobre su cabeza una de las brujas o las
vasijas con una inscripción indescifrable. Este arte bastante representativo se
asocio con la brujería
En la pintura se observa
el sacrificio que realizan las brujas. Se juega con los matices claro oscuro
dado un efecto más tenebroso.
HOLBEIN HANS
El cristo muerto en la tumba:
Pintura realizada en aceite y temperatura en la madera de
tilo. La obra muestra a tamaño natural la grotesca representación del cuerpo
alargado y delgado de Jesús que yace en la tumba. Con esta pintura quiere
mostrar el sufrido destino que padeció Cristo. La pintura es bastante realista
ya que se representan las heridas en el torso, manos y pies. Se las representa
como carne muerta en etapa de putrefacción. Su cuerpo aparece como alargado y
demacrado mientras que los ojos y la boca están abiertos.
Este artista quebranta el realismo al pintar el
cabello del cristo de una forma real como si fuese a salir de la pintura.
Retrato de la familia Moro
Este es un retrato preparatorio para el retrato de la
familia Thomas More, en este retrato se observa a la familia reunida. Se puede
notar que en centro se encuentran los jefes de familia y a sus alrededores se
podría decir que, hijos, sobrinos, primos, etc. En el suelo se encuentran las
mujeres que parecería que están tejiendo. Todos se encuentran en la casa y se
puede observar como eran las antiguas casas elegantes, las vestimentas que
utilizaban las personas de la alta sociedad y las actividades que solían
realizar.
Chimenea pieza de diseño
En esta pintura se puede observar el diseño de una chimenea.
Fue realizada con pluma y tinta de color negro con gris, azul, rojo y lavado al
papel. En la pntura se puede onbservar en el centro un escudo el cual
significaría que el artista diseñaba esta chimenea para algún rey o alguien de
la alta sociedad, en la repisa de la chimenea incorpora escenas de batalla y
redondeles de justicia ciega a la derecha la imagen de dos mujeres. Esta
compuesta por bastantes detalles en especial de guerra. Las bases de las
columnas también se encuentran adornadas y se puede observar que era una gran
obra a realizarse.
MIGUEL
ÁNGEL
La batalla de Cascina
Este un fresco
diseñado por Miguel Ángel para el Palazzo
Vecchio
de Florencia. No llegó a pintarlo
e hizo sólo el cartón (modelo) previo, que
fue destruido y es conocido por la copia pintada al óleo por Bastiano
da Sangallo y por dos grabados parciales de Marcantonio
Raimondi.
En 1503, la Señoría de Florencia ideó una gran decoración
para la Sala del Consejo (actualmente sala del Cinquencento) del Palazzo Vecchio. La república había sucedido al reinado de Lorenzo el Magnífico
y a la tiranía de Savonarola. Por lo tanto, para competir con el patrocinio de los Médici, y glorificar la grandeza y el poder de Florencia, encargó
a Leonardo da Vinci un fresco celebrando La batalla de Anghiari y la victoria sobre los milaneses, y otro a Miguel Ángel, de La batalla de
Cascina y la victoria sobre los pisanos.
Miguel Ángel acababa de triunfar con su estatua de David (actualmente en la Galería de la Academia de Florencia). Instaló su taller en el Hospital dei Tintori de San'Onofrio. Se sabe que el 3 de octubre
de 1504, los cartones ya se habían visionado. Trabajó hasta su partida a Roma en 1505 y acabándolos en su retorno a Florencia en 1506. En
mayo de 1506 Leonardo da Vinci dejó Florencia para irse a Milán, abandonando,
sin acabar, La batalla de Anghiari.
Al mismo tiempo, Miguel Ángel también abandonó La batalla de Cascina, y se marchó a Bolonia, donde trabajó durante dos años en la estatua del papa Julio II, que había de ponerse en la fachada de San Petronio. La
estatua resultaría destruida en 1511 por la población de Bolonia.
La Madonna de Manchester
Es una pintura sobre madera realizada hacia el año 1497 por el
artista del renacimiento
italiano Miguel Ángel
y que se encuentra en la National Gallery de Londres.
Están representados en la escena pictórica la Virgen con el
Niño junto con san Juan Bautista también niño y dos ángeles a cada lado, una
pareja de ángeles se encuentran solo esbozados ya que la pintura quedó
inacabada.
Toma su nombre por la ciudad de Mánchester donde fue expuesta por primera vez. Atribuida a Miguel
Ángel y datada al principio de su actividad pictórica, los dos niños parecen
mostrar la derivación posterior de los putti de la bóveda de la Capilla Sixtina y las figuras de la Virgen y la del Niño Jesús se parecen a
las efectuadas por Miguel Ángel en mármol, en la también posterior Madonna de Brujas. El roto del
vestido de María que deja al descubierto un seno, se atribuye al antiguo tema
de la «Virgen de la leche».
La bóveda de la Capilla Sixtina
Es elconjunto de pinturas al fresco realizadas para decorar la bóveda de la Capilla Sixtina, en la Ciudad del Vaticano
(Roma). Fue pintada entre 1508 y 1512 por Miguel Ángel y es una de las obras pictóricas más complejas y más bellas
de toda la historia del arte, encargada por el papa Julio II para sustituir la pintura que había en aquel momento a base
de un fondo azul con estrellas doradas, que había sido realizada por Piero
Matteo d'Amelia, según la tradición de los templos paleocristianos.
En la bóveda de cañón
rebajada, el artista diseñó una complicada arquitectura simulada donde incluyó el desarrollo de historias del Génesis, narradas desde el extremo del altar hasta la puerta de
entrada de la capilla en más de 500m2 de espacio. Desde 1508 hasta
el otoño de 1512 Miguel Ángel trabajó solo en su realización, sin ayudantes. El
1 de noviembre
de 1512 se celebró la primera misa en la capilla, después de
acabada la pintura de la bóveda.
RAFAEL
ALBERTI
El
hombre deshabitado
“Auto
sacramental sin sacramento". El tema: creación, tentación y caída del
hombre e incapacidad de la divinidad y el hombre para entenderse. Desarrolla la
parábola de la creación del hombre y de su abandono como ángel caído por parte
de un dios maligno. La técnica dramática es la alegórico-simbólica propia de
los autos sacramentales. La obra tiene una relación temática con Sobre los
ángeles, de la que es contemporánea.
La
escena primera es la creación del hombre, al que hace Alberti salir de una
alcantarilla rodeada de materiales de construcción; es el nacimiento como paso
del hombre masa al hombre individuo. El Vigilante nocturno invita al hombre
deshabitado a requerir su alma, despertándole los cinco sentidos, para que el
alma pueda asomarse al mundo. Convocados los cinco sentidos, el alma sale de un
tonel para servir al hombre y hacerlo feliz. Creada luego la mujer, el Vigilante
les envía a disfrutar del mundo, no sin antes advertirles que los sentidos
pueden perderles.
La
obra está estructurada en torno a tres situaciones: la felicidad del Hombre y
la Mujer, imagen de inocencia y armonía de los sentidos, la lucha del Hombre y
su vencimiento; y, finalmente, el asesinato de la Mujer por el Hombre, su
entrega a la Tentación y su muerte. El Vigilante nocturno juzga al Hombre y lo
condena por su crimen. Antes de desaparecer por la misma boca del
alcantarillado por donde surgió para ser feliz, acusa a su creador de haberlo
creado para hacerle perecer. El hombre es víctima de un dios criminal que se
complace en dar la vida a su criatura para perderla luego.
Esta
obra significó en el 1931 un paso adelante en la abertura del teatro español
hacia nuevos horizontes dramáticos en el sentido de Unamuno, Valle-Inclán y
Lorca. Era un ejemplo más de la lucha del nuevo teatro contra el teatro
naturalista comercial burgués de la época. La obra está llena de belleza y
simbolismo de raíz lírica. El final es el revés del auto sacramental clásico.
La obra hay que entenderla dentro del contexto político de Alberti, del Alberti
de la crisis espiritual por la que pasó cuando escribió Sobre los ángeles
(1929). A partir de esta obra, Alberti acentuará su compromiso político.
Fermín Galán
La
obra está directamente relacionada con el triunfo e implantación en España de
la Segunda República (1931-1936). El drama está estructurado al modo de los
cantares de ciego tradicionales, es un romance de ciego en diez episodios. Cada
episodio presenta un momento de la vida del héroe Fermín galán, que el año
anterior se había sublevado en Jaca con el Capitán García, siendo los dos
condenados a muerte.
Esta
obra es un intento de Alberti de hacer teatro popular. Es un mosaico de escenas
sin gran unidad dramática. No es una obra muy conseguida por estar mal
estructurada. El recurso al romance de ciego resultó ineficaz, fue un error
haber elegido el romance de ciego como técnica dramática para este tema. Además
era difícil dramatizar por aquel entonces un episodio aún muy cercano a la
vivencia del público, que no aceptó al dramaturgo como intermediario de algo
que todos habían vivido personalmente. Los mejores episodios de la obra son los
satíricos.
PAOLO UCCELLO
La batalla de San Romano
La rota de san, es un tríptico, obra del
pintor italiano Paolo Uccello. Está realizado con temple al huevo sobre tabla. Se considera que el tríptico fue ejecutado entre 1456 y 1460. No obstante, la fecha es incierta y continúa siendo objeto de considerable debate. Los críticos tienden actualmente a entender que fue encargada y ejecutada no mucho después de la muerte de Micheletto da Cotignola en 1435, una hipótesis que parece confirmada por el estilo, cercano al del Monumento a John Hawkwood pintado por Uccello hacia 1436, en la Catedral de Florencia.
Se representa, en cada una de las tres tablas, tres momentos distintos de la batalla entablada el 1 de junio de 1432 en San Romano, cerca de Lucca, entre los florentinos, que resultaron al final victoriosos, guiados por Nicolás de Tolentino y los sieneses, liderados por Bernardino da Cotignola.
Recientes investigaciones apuntan que el ciclo de pinturas no fue, como se creyó durante mucho tiempo, un encargo de Cosme de Médicis, sino de Lionardo Bartolini Salimbeni, que tuvo un papel destacado en la apertura de hostilidades con Siena.
San Jorge y el Dragón
Existe una versión anterior que se guarda hoy en la National Gallery de Londres. En esta obra, como en otras suyas, Paolo Uccello crea una atmósfera irreal, que hasta cierto punto puede recordar a obras del surrealismo.
